À Lagos, un vêtement peut être plus qu’une silhouette à regarder ou à acheter. Dans le travail de la créatrice nigériane Bubu Ogisi, il devient aussi matière à récit, geste artisanal et expérience scénique. Cette approche déplace les frontières habituelles entre défilé, performance et installation.
À Lagos, le podium devient un espace d’expérimentation
Lors de la dernière journée d’une édition de la Lagos Fashion Week, la marque IAMISIGO a présenté une collection qui associait vêtements sculpturaux, mise en scène et références spirituelles. Les pièces, réalisées à la main, mobilisaient des matières et des savoir-faire provenant de différentes régions du continent. La date précise de cette présentation n’est pas établie par les informations disponibles.
Ogisi décrit sa démarche comme une manière de remettre en question les conventions et d’imaginer d’autres façons de créer. La présentation ne se limitait donc pas à montrer des tenues : elle proposait un parcours visuel et sensoriel où le corps, les matières et l’espace contribuaient ensemble au sens de l’œuvre.
Le photographe et artiste français Hubert Crabières a conçu la scénographie de ce défilé. Il a évoqué les couleurs franches et les constructions expressives des créations, ainsi que l’intensité de l’expérience urbaine à Lagos. Son regard apporte un point de vue extérieur, mais la proposition artistique reste portée par Ogisi et les pratiques artisanales que sa marque met en avant.
Des techniques artisanales transformées, pas figées
Fondée en 2013, IAMISIGO travaille entre Lagos, Nairobi et Accra. La marque collabore avec de petites communautés artisanales dans plusieurs pays africains et s’intéresse aux techniques textiles transmises au fil des générations. Elle les transpose dans des formes contemporaines, sans réduire ces héritages à des motifs décoratifs.
Cette méthode donne aux matières une place centrale. Fibres, textiles et procédés de fabrication deviennent des choix esthétiques, mais aussi des supports de mémoire et de savoir. Les créations peuvent ainsi circuler sur des podiums internationaux tout en renvoyant à des pratiques ancrées dans des lieux et des communautés précis.
Ce travail invite aussi à regarder la chaîne de création derrière une pièce. La valeur d’un vêtement ne tient pas seulement à son apparence ou à son prix : elle dépend également du temps de fabrication, de la maîtrise technique et de la rémunération des personnes qui contribuent à sa réalisation. Les informations disponibles ne précisent toutefois ni les volumes produits ni les conditions économiques des collaborations concernées. Il faut donc éviter de présenter la démarche comme une garantie, à elle seule, de durabilité ou de partage équitable de la valeur.
Une scène nigériane tournée vers plusieurs publics
La Lagos Fashion Week offre aux créateurs une plateforme de présentation et de rencontres professionnelles. Elle met en relation designers, artisans, acheteurs, médias et publics venus du Nigeria et d’ailleurs. Les défilés font partie d’un écosystème plus large : ateliers, production, commerce, communication et transmission des compétences.
Pour les créateurs, cette visibilité peut ouvrir des débouchés. Mais elle pose aussi des questions concrètes : comment produire sans diluer une méthode de travail ? Comment faire connaître un savoir-faire sans le détacher des personnes qui le pratiquent ? Et comment transformer l’attention internationale en revenus durables pour les équipes locales ? Ces enjeux concernent aussi bien les maisons établies que les ateliers et les artisans qui travaillent loin des grandes scènes.
La capitale fédérale du Nigeria est Abuja, mais Lagos demeure un centre majeur des activités économiques et créatives du pays. La mode y dialogue avec un public local, une industrie culturelle en croissance et des marchés régionaux. Elle contribue ainsi à la vie économique de la ville, tout en donnant une visibilité à des pratiques dont les réseaux dépassent les frontières nationales.
Une ambition continentale, avec des équilibres à suivre
IAMISIGO défend une approche continentale plutôt qu’une identité réduite à un seul pays. Cette circulation entre Lagos, Nairobi et Accra rappelle que les échanges créatifs africains ne se résument pas à une relation entre une capitale et des marchés occidentaux. Ils s’appuient aussi sur des collaborations, des techniques et des histoires partagées à travers plusieurs régions.
La portée panafricaine de cette démarche dépendra toutefois de la place accordée aux artisans dans la création et dans les revenus générés. La reconnaissance des techniques ne suffit pas si les personnes qui les maîtrisent restent invisibles ou sont peu rémunérées. Le suivi des partenariats, des conditions de production et de la continuité des collaborations permettra de mesurer plus précisément les effets de ce modèle.
À Lagos, la proposition de Bubu Ogisi témoigne d’une scène qui ne sépare pas nécessairement mode, art et artisanat. Elle fait du défilé un lieu d’expérimentation et pose une question plus large : comment faire évoluer les formes sans effacer les savoirs qui les rendent possibles ?
